Lineas sobre Laura Pirez

Me gusta porque parece que ella se dibujo así misma, pareciera toda su obra esta trazada con las trazos de su imagen.

Me siento como un arqueólogo con este ensayo, que el tiempo ha pasado ya muchas veces y con tan solo dos blogs, que siento como ruinas muy antiguas y un perfil de Facebook que tomo como un frasco de morfol con algo flotando dentro, me dispongo a hablar de lo que es la obra de LauraPirez.

Es güera de 22 años, recién cumplidos, con orígenes en Irapuato Guanajuato y con orígenes artísticos (tal vez) en el extraño y maravilloso Cedart Luis Spota Saavedra, ya casi termina con la extraña y muy extraña ENPEG “La esmeralda”. Ella es artista visual, algo así de asombroso oficio. Y para hablar de su obra me propuse a hacerlo en tres secciones: Mujeres fatales, Reyes desubicados, Monstruos y por ultimo lugares a casi desaparecer. Incluiría collage pero esa es la técnica para jugar con la realidad que esta presente en todas.

Lo primero que se observa de la obra de Laura Pirez son mujeres. Desconozco si se trata de un juego de poder, ya que para ser exactos son femmes fatales que tienden trampas con sus largas cabelleras a desventurados personajes o para ellas mismas.

Según la leyenda el cabello refleja las ideas, desde la cabeza el pensamiento viaja suelto, lacio o rizado Por eso el peinado en su forma y color es una herramienta, es la daga para cortar cabezas o dar en el corazón, es el atractivo visual. En los dibujos es donde se observa la intención de cada cabello, que toma su camino como flechas constantes a lo subjetivo. Un terrible voluntad en la cabellera atrapa no solo al espectador si no también a las dueñas de estos pelajes agresivos. Si digo que el cabello son las extensiones de las ideas, supongo que este acto devorador es un volver a si mismo como búsqueda interior que se compone de decenas de líneas que dan facha de la serpiente que se come su cola, un eterno retorno hasta hacerse de nudos donde se cruzan muchas ideas.

No entiendo bien esta parte de los reyes por que la creencia ideológica política de Laura según el Facebook, es turu tu turu. Es mas una tonada, algo musical. Puede ser una trompeta de guerra tan obvio como un sonido de poder. Pero no lo creo, es otra trampa. Mas bien puede ser un chiste tipo acertijo zen. ¿qué es de un rey con corona y sin reino? Estos personajes están buscando su famoso reino ya sea con linterna en mano o lagrimas hasta derramar todo un río navegar a el. Mas que personajes son símbolos de voluntad. Ella decide con la corona quien es o quien no es rey, desde ancianos niños o ella misma, se otorga con este acto todo el reino que uno puede degustar o buscar. Ese puede ser el acertijo al tomar corona y hacer reino y ejercer toda una historia que sea digna de leyenda.

Algunos de estos personajes híbridos bailan por la red en mil maneras. Nacen de la búsqueda de imágenes como súbditos para conformar esos reinos de aquellos de las coronas. Son combinaciones entre el gusto visual de laura y las posibilidades de ofrecer nuevos protagonistas. Son resultado intimo de otro mundo sobrecargado de información constante que es el Internet, el cual en su constante impertinencia visual es absorbido por la voluntad de la selección, de decidir que imágenes duraran más que un click al viajar en la red y que otras se devolverán después de cirugías de forma y contexto de estas. Existe un deseo de reactivarlos al publicarlos en el blog y darles otra oportunidad de observar las capacidades de la imagen que ahora pesara más bytes por la atención de parte de la autora.

Estos collages de personajes irreales pueden encontrar su escenario disparejo en un lugar olvidado a casi dejar de existir si no fuera por la capacidad de la fotografía. Se destruyen poco a poco a través de composición tan vieja como el olvido del primer romántico del mundo. Paredes rotas, tapices antaños, climas grises son los protagonistas que probablemente su limite sea un marco dorado y polvoso como la vista en las tardes de una abuelita a la venta de una casa de muñecas.

Si solo se tomaran en cuenta estos elementos de personajes, lugares, voluntades y sus respectivos híbridos como collages, existe todo lo necesario para una mimesis de la vida. Un mundo mejor o regular al que se llama realidad. Desde la punta del cabello hasta los finos cortes como cirujano por los tijerazos del collage en la edición, apuntan a un crimen perfecto contra la realidad. Sangrando un mundo siempre en movimiento que obliga a los personajes sufrir diversos cambios aparir de estos atentados, desde perder reinos, morir decapitados para renacer como dioses egipcios con cabezas de mil animales. Estas transformaciones corporales son herramientas para sobrevivir con esas nuevas historias. A quien no le gustaría tener un tercer ojo contra animales de distintos tamaños, o piernas enormes para asaltar nidos de árboles de cerezos. Es un rechazo al cuerpo como tal porque no sirve para tratar la realidad por limites tan absurdos como la gravedad o el color.

Posee de mucho trabajo como para pensar que se trata de una obsesión por crear otra alternativa a su idea de estar aquí y dejarse llevar por las líneas onduladas como ritos y hechizos mágicos para acercarse así mismo, a lo intimo de un mundo que es real por las historias que pueden desarrollarse en el.

Alois Chong Malpica

El trabajo de Alois Chong Malpica es variado, tanto en lo formal como en lo temático, o al menos así me parece, así que trataré de hablar sobre lo que he visto y mi interpretación muy personal tanto de lo que he visto de su obra como de sus procesos, ya que he convivido con él en el mismo taller durante dos semestres y he visto no sólo su trabajo, sino el cómo lo hace, aunque no sé del todo qué lo lleva a hacerlo, lo cual también trataré de interpretar en este escrito.
Algo que me llama la atención del trabajo de Alois es la variedad de soluciones formales por las que se mueve, ya que en lo que he visto de él encuentro desde dibujo figurativo, a veces pretendiendo realismo y otras veces en estilo cómic o manga, además de exploraciones en abstraccionismo tanto dibujístico como pictórico y algo de tridimensión. Lo que me llama la atención de esto es el por qué, por qué pasar de hacer figurativismo hasta cierto punto naif, a de golpe tomar la decisión de abstraccionismo como forma de expresión fundamental en los últimos meses. Creo que esto obedece a que lo encuentra como una forma de expresión probablemente más efectiva para lo que busca decir, lo cual a mi parecer tiene que ver con la memoria, la autobiografía y el acto pictórico en sí mismo.
El trabajo de Alois, al menos este semestre, comenzó como una exploración autobiográfica referida hacia su pasado en provincia y el contraste de sí mismo en el monstruo de ciudad capital que es ésta, esto me refiere a la idea de vivencia relacionada con la posibilidad de contrastes sociales o individuales que puede haber en una comunidad humana, en este caso este país y la experiencia de un individuo que ha vivido su vida en dos mitades, ambas con un entorno social, creo, bastante diferente. Así que lo que creo que busca Alois, aunque sin duda puedo estar equivocado, es tratar de expresar en base a su propia experiencia, es decir de forma autobiográfica la idea de los contrastes sociales, repito, desde su propia experiencia, sin buscar hacer un estudio sociológico ni antropológico. Por lo tanto creo que este contraste es llevado a una idea más emocional e intangible de cambio, transición y como dije, contraste.
Creo que esta búsqueda de forma interior y emocional de estos conceptos, al principio buscada de forma figurativa no era muy efectiva, ya que terminaba siendo una ilustración, que creo que a él tampoco satisfizo. Por esto creo que decidió dar el salto al abstraccionismo, que es un terreno que suele basarse precisamente en la interiorización del artista, es decir suele hablar de cosas intangibles e inimaginables, como sensaciones, y es probablemente un vehículo más eficiente para este fin. Creo también que su salto está aunado a esta sensación de cambio de un ambiente social a otro, como algo que se ve reflejado en su trayectoria, repito, estas son interpretaciones muy personales, que no pretendo sean definitivas ni mucho menos, dado que no conozco toda su obra ni su vida.
También actualmente está trabajando una pieza tridimensional con luz y cortezas de árbol, que creo obedece principalmente a fines estéticos, pero creo que tiene un trasfondo hacia lo oculto o encerrado, el cual aún no me queda muy claro, ya que la obra aún está en proceso tanto físicamente como en su cabeza.
Hablando formalmente de su trabajo, me parece, a mi juicio, que su obra abstracta es mucho más interesante que la figurativa, que me parece se queda corta a veces. Por el otro lado en el terreno del abstraccionismo creo que se encuentra en una forma más libre y directa de expresar lo que quiere y creo que esto se nota en la obra. Su pintura abstracta suele ser de grandes trazos y contrastes, con una gran predominancia del color negro como una constante, lo cual creo que es un gusto personal del artista por este color, el cual comparto, pero en su caso no tengo del todo claro el por qué. Desde mi interpretación y mi gusto personal por este color puedo especular con una idea del uso del “no color” como una idea de cancelación o negación de lo establecido y de esta sociedad, como una especie de queja que no logra nada más que una satisfacción personal, aunque repito, estas son a grandes rasgos mis razones hacia la predilección por el color negro y no sé si sean las de él.
Su forma de aplicación de la pintura es también variable, al igual que sus formatos y tipos de aplicación de pintura. Sus formatos van desde pequeño hasta mediano y ocasionalmente gran formato. Lo interesante en esto es el carácter que tiene la pintura en cada formato, ya que en el pequeño se ve una pintura de trazos o salpicados o embarrados más azarosos, más libres y menos inscritos en un plan, aunque después los retrabaje con lápiz, gis o pintura de forma más minuciosa, respetando las primeras manchas independientes, logrando así una especie de orden dentro del desorden, una vez más, contrastante.
Por otro lado en su pintura de mediano y gran formato suelo encontrar mayor variedad de colores y experimentación en el aplicar la pintura al soporte, ya sea raspar, arrastrar, salpicar, etc. Aunque sin embargo lo encuentro más controlado e inscrito dentro de una idea de composición que a mi parecer a veces llega a entorpecer la fuerza de la primera experimentación, con una predominancia en los colores negro y verde.
Algo que considero importante en las pinturas y dibujos abstractos de Alois es que tiene la constante del claroscuro o contraste, que creo que va aunado a la idea de contraste individual y social de la que hablaba anteriormente, junto con los grandes trazos o rasgamientos o formas de aplicar la pintura, que acentúan estos contrastes.
A mi parecer, he encontrado una mayor eficacia, libertad y experimentación real en su trabajo de pequeño y mediano formato, ya que creo que al menos ahora son formatos que le ayudan a lograr una mayor interiorización de su persona y por lo tanto de su trabajo, y así una mayor eficacia expresiva hacia lo que quiere decir, esto partiendo de la premisa de que su búsqueda es personal, autobiográfica e interior.
Respecto a su trabajo tridimensional, lo único que he visto es la caja actual en proceso, que a nivel formal es bastante similar a sus pinturas y dibujos abstractos, con predominancia de ángulos agudos contrastantes, el color negro y en este caso la luz para lograr, de nuevo, esta idea de contraste. En lo personal esta caja es de lo que más me ha gustado, al menos a nivel visual, de lo que he visto de su trabajo, aunque como dije antes, aún no sé muy bien cual es la idea detrás de esto, y puede prestarse a mil interpretaciones.
En conclusión, creo que su obra abstracta es mucho más eficiente que la figurativa, y en ese sentido creo que tomó una buena decisión en explorar esta forma de expresión, la cual creo debe seguir explorando. Respecto a los temas, como dije todo esto ha sido mi interpretación personal, junto con algo que he hablado con él sobre eso, así que me baso en estas premisas. En este sentido creo que la idea de autobiografía no es clara en ningún caso, pero como dije antes, creo que esto es sólo su punto de partida personal para trabajar, y no el fin en sí mismo de la obra, sino que el fin de la obra habla de sensaciones y fuerzas más abstractas precisamente, que parten de sus vivencias.
En realidad no tengo claro el qué y por qué de su trabajo, ya que ni soy teórico, ni antropólogo ni sociólogo ni su biógrafo, sino sólo otro individuo que pretende inscribirse dentro el estatuto social divino de “artista”, con una visión hacia el arte diferente, así que para finalizar aclaro de nuevo que estas especulaciones son desde mi punto de vista, por lo tanto son el por qué yo haría lo que él hace, una vez más un contraste entre individuos diferentes, que conviven en una misma comunidad de seres autodenominados humanos, y más específicamente, autodenominados artistas.

Francisco Piscem y el Arte.

Francisco es encuentro, constante busqueda, eterna resignificacion del espiritu del humano.
Oriundo de Oaxaca, Francismo Piscem nos presenta una mirada hiperrealista; haciendo diestra usanza de la tela y el pincel, y rememorando historia, recuerdo y esencia.

La cuantiosa y contada obra de este joven artista es preciosa en el amplio significado de la palabra. Desde el registro hasta la experiencia viva, el encuentro con sus piezas connota al espejismo.
'eso que estoy viendo, es o no real?' , redespierta la duda preternatural de la obra como ilusionismo : es el artista un develador de verdades misticas, o se asemeja ma éste a un quimerista locuaz?

Sin embargo, francisco no cae en una esteril representacion seudo birtuosista que el hiperrealismo ha venido a repredentar. La carga ilusionista, el conflicto de interpretacion es bipolar y con mas d eun peso especifico - en su obra, Piscem lleva el concepto y fondo mismo de la obra asimismo a un plano hiperreal. Encarna en al realidad, a la realidad.
Responde a preguntas que ni siquiera plantea en una especie de soliloquio, haciendo a traves de esto, mas patente su rasgo funamental de autoria. Como quien narra una historia. No desde la incognita ni desde la representacion sencilla es como se erige un verdadero construictor de esignificado o realidad, sino solamente a traves de un verbo manifiesto que verdaderamente comienza la creacion. Manifestacion que puede solo partir de una clara ubicacion en su contexto, su historia y su papel como lo hace Francisco Piscem.

Cargas de una contemporaneidad maniatada a la bienaventurada posteridad. Una clara critica a los valores neoglobales de masa, media, informacion y ambiguedad. Los dobles estandares, el prejuicio estandarizado y la doble moral.
Reafocando una mirada borrossa y obnubilada por prejuicios, preconcepciones y nociones no dle todo bien cimentadas, la pintura de Francisco es un lente refractor para una mirada cansada. Es probar - como ir al oculista - con los lentes diversos de un mago que mas bien se nos ocurre ocultista.
Simples permutaciones de un simbolo o signo de identidad patria con aquellos que otrora evocaran extranjera extrañeza, demarcan la formula clave de Piscem : es el reordenamiento sutil y singular de valores y variables que ya conocemos como se da un nuevo proceso artistico. Mas que quimerista, alquimista de un nuevo significado familiar.

El presente como recorrido desde un pasado igualmente trsstsbillante en terminos exiguos dificiles de plasmar, sea con obra, sangre o palabra. Ante esta urgencia que Francisco mas bien se siente que adopta como condicion natural, es que comienza a elaborar relatos que no se circunscriben dentro de la norma o la ficcion - es en una sencilla refraccion a traves de pigmento y buena mirada que en un diferente afoco de todo, surge una nueva nocion de hiperrealidad.

Asi, se me antoja que mi mirada al intentar acoplarse con el universo que Francisco Piscem nos presenta es mas similar al proceso organico de enfoque de ña pupila y la retina, que al de un trazado y lineal proceso hiperreal. Un objeto o verdad solo lo son para nosotors en tanto que estos se ubiquen dedntor de nuestro campo visual, y a partir de ahi, los diversos grados de claridad o distorsion se acotan - reseteados, resignificados - como nuevas definiciones
nuevas dimensiones
de aquello que atrevemos a llamar 'lo real'.

// Pornto subiré el ensayo de hace meses sobre El Arte En Estado Gaseoso; sólo de encontrarlo por aquí... //

volarte la mente

El trabajo de Juan Carlos Armas tiene origen en preguntas cotidianas como: por qué esto? Por qué aquello? Qué pasaría si…? Creo que su valor no radica en la complejidad de la pregunta particular que dispara las distintas acciones en sus videos, por el contrario lo interesante de su trabajo se encuentra en un aspecto muy básico. Es la búsqueda de una respuesta entre la acción y la reacción, que no desea encontrar un resultado a la manera de una ecuación, sino que busca ampliar la pregunta esencial ¿qué sucede aquí? ¿Qué más puede suceder aquí, ahora, cuando decido experimentar mi propia realidad no como un transeúnte que sólo va de paso, sino vivirla de primera mano?
Para poder hacer esto, Armas se presenta como su principal material de trabajo enfrentándose a una situación incierta, parece crear de sí mismo un personaje pero al mismo tiempo simplemente ser él mismo como en cualquier otro momento irreal y ordinario. Mediante el registro en video hace al público testigo de una experiencia personal en proceso, la de reaccionar hacia su entorno llevado por el impulso de una pregunta muy cercana a una ocurrencia. Se trata de una declaración que va tomando forma al mismo tiempo que se expresa, descubriendo su objetivo hasta el momento en el que concluye. Algo como: yo hago algo, miren lo que hago, lo exagero más, lo miran más, reaccionan más a lo que hago mientras yo reacciono más y pienso en que quiero que piensen…. Hasta que…ya esta!. Es decir una búsqueda de discurso en tiempo real, que se refuerza y toma una forma concreta en la edición final del video.
Podría pensarse que esta estrategia de producción, convierte la búsqueda artística en algo superficial, pero puesto que su objetivo no es mostrar una colección de curiosas y fáciles provocaciones, sino expresar que a través de una actitud aplicada en las situaciones que se nos presentan como dadas, es posible retorcer el hilo invisible que convierte algo ordinario y banal en algo intenso, extraño o interesante. Otra manera de plantearlo es: ¿qué más es posible descubrir acerca de la realidad cuando camino en la cuerda floja?
Una característica importante en el trabajo de Armas, es la teatralidad que se puede observar de manera generalizada al afrontar las situaciones que vemos en los videos, desde la música hasta los accesorios, efectos y posturas corporales que adopta. Sin embargo, me he sorprendido al ver que esa teatralidad no transforma la acción en algo falso, sino que es justo esa teatralidad lo que nos permite acercarnos a la situación de una manera más directa. El humor aplicado, no como una muleta para quien no se atreve a dar el paso firme hacia su objetivo, sino como una herramienta que lo propulsa a una vivencia aun más real, más intensa, de eso que experimental logrando en el espectador una cercanía que no se lograría sin esa irreverencia. Esta actitud discursiva lo reinserta en lo cotidiano de un modo que genera una respuesta inmediata del espectador, como puede ser la risa, la confusión o incluso la burla. En cambio, si estas acciones basadas en preguntas sencillas se resolvieran de un modo más solemne o serio, fácilmente perderían esa cercanía inmediata que provoca el humor por un interés impersonal, que es la manera más simple de transitar una muestra artística.

Po otra parte, vivimos cotidianamente con prótesis tecnológicas y hasta anímicas y psicológicas, convirtiendo un USB en nuestra memoria, unas pastillas en nuestro descanso, unos lentes en nuestros ojos. En este caso pude percibir como la mezcla de una actitud y una cámara podía hacer al arte una prótesis expansiva para la experiencia de una persona y extender la experiencia a otros. Claro, estoy describiendo un proceso de comunicación, pero lo que planteo es que la comunicación no era la principal inquietud a la hora de comenzar a registrar en video una vivencia para revivirla muchas veces, como tercero y parte. Por eso es importante que el soporte sea el video y que el resultado final sea fácil de asimilar entre la masiva corriente de imágenes información y videos a los que estamos expuestos. Es justo esta característica de poder insertarse fácilmente en un medio como youtube lo que crea una relación horizontal con sus contemporáneos en una dimensión igualmente masiva.
Esta visibilidad y la capacidad de inserción en la realidad es importante para que una obra cobre vida, aunque se necesitan además otros sustentos para poder llevar una pieza artística a su verdadera expresión y que no sé le pierda entre otro tipo de producción cultural. Las piezas de video de Armas están creadas para vivirse como instantes portátiles, su existencia frágil sólo puede sostenerse a partir de fortalecer la búsqueda esencial del trabajo. Esta ancla existe puesto que pertenece a una primera inquietud humana que nos es común, pero requiere de una conciencia de principio a fin por parte del artista al crear las piezas para que realmente se materialice. Me parece que en este caso, es un proceso que aun no termina de consolidarse a pesar de llevar el camino avanzado hacia esa dirección. La gran ventaja es que es un trabajo en proceso y que este tipo de experimentación crea una obra acumulativa que finalmente evidencia la inquietud y pregunta que subyacen en ella.